ARTE EN GENERAL
Ray Mantilla, percusionista que trascendió géneros, muere a los 85
Ray Mantilla, percusionista que trascendió géneros, muere a los 85
Ray Mantilla, un percusionista y líder de banda cuya carrera abarcó seis décadas y una variedad de estilos de jazz, música latina y más, murió el 21 de marzo en Manhattan. Tenía 85 años.
Su hermano Kermit dijo que la causa fueron las complicaciones del linfoma.
El Sr. Mantilla nunca se convirtió en una estrella por derecho propio. Pero fue uno de los percusionistas más respetados en la música estadounidense, experto en una variedad de instrumentos, particularmente las congas y timbales, y capaz de sentirse como en casa en casi cualquier conjunto.
Solía usar un conjunto completo de congas, a veces cuatro a la vez, cada una sintonizada de manera diferente, formando una batería propia.
Tenía 44 años y casi un cuarto de siglo en su carrera profesional cuando lanzó su primer álbum como líder, «Mantilla», en 1978. En ese momento, había alcanzado al menos la tercera fase de una existencia musical proteica.
Se había convertido en un fanático de los principales líderes de la banda latina de mediados de siglo y se familiarizó con los fundamentos de la percusión afrocubana. A mediados de los 20 años, se encontró enamorado del jazz y cambió en esa dirección. Y finalmente exploró una fusión de los dos mundos en las bandas que lideró, mientras realizaba un inventario cada vez más diverso de trabajo como músico secundario.
Jugó en cientos de grabaciones a lo largo de su vida, incluyendo «¡Insistimos! Freedom Now Suite de Max Roach «,» At the Village Gate «de Herbie Mann,» Cumbia & Jazz Fusion «de Charles Mingus e incluso» I Am Gloria Gaynor «, de la estrella disco.
Durante la segunda mitad de su carrera, lanzó nueve discos bajo su propio nombre.
Raymond Mantilla nació en el sur del Bronx el 22 de junio de 1934, hijo de Ramona Maldonado y Carlos Mantilla Ghilardi. Su padre, originario de Perú, fue un arquitecto e ingeniero que ayudó a construir el puente George Washington y tocó la guitarra en casa. Su madre, que había nacido en Puerto Rico, era propietaria y operaba una bodega.
Además de su hermano Kermit, al Sr. Mantilla le sobreviven otros dos hermanos, Lisandro Gilberto y Rolando; sus hermanas, Irma Ogden y Sara Kelly; un nieto y su compañera de 20 años, Judy Levy. Los dos matrimonios del Sr. Mantilla terminaron en divorcio. Un hijo, Robert, murió antes que él.
Young Ray jugó béisbol semiprofesional y soñó con las grandes ligas durante su adolescencia. Pero entonces escuchó al líder de la banda cubana. La música de Machito en la radio por primera vez, y fue inmediatamente galvanizado.
«Cuando escuché esos tambores, fue cuando comencé a darme cuenta de que tenía algo: una vocación, lo llaman», dijo Mantilla al historiador del jazz. Maxine Gordon en una entrevista para el Proyecto de Historia Afroamericana del Bronx en la Universidad de Fordham.
Comenzó a pasar el rato en el Y.M.C.A. local, donde los jóvenes músicos tocarían. Al principio jugaba con una lata de café, pero finalmente se compró un tambor de conga.
Sus amigos en el sur del Bronx incluyeron futuras estrellas como el pianista Eddie Palmieri, el flautista y percusionista Johnny Pacheco y el percusionista Manny Oquendo. Todos ellos fusionaron el mambo, la música tradicional afro-caribeña y el jazz, creando un nuevo enfoque que en general se denominaría «salsa». Como muchos músicos, el Sr. Mantilla se resistió al término y dijo que un solo nombre de género oscurecía la complejidad de la música.
El Sr. Mantilla desarrolló su talento junto a sus compañeros percusionistas Ray Barretto y Benny Bonilla, quienes continuaron sus carreras. Fue el Sr. Barretto, su amigo y contraparte más cercano, quien recomendó al Sr. Mantilla para su cita inaugural en el estudio.
Mantilla tocó su primer espectáculo profesional en la banda de la cantante Eartha Kitt, tomando un descanso de su propia luna de miel para hacer el concierto. En 1960, el Sr. Barretto lo trajo a la banda del Sr. Mann, donde permaneció durante tres años. Durante un tiempo, formaron un equipo de etiqueta de percusión en ese grupo antes de que el Sr. Barretto partiera, dejando al Sr. Mantilla a cargo de la silla de percusión.
Tocar en la banda de Mann plantó una semilla creativa, y el Sr. Mantilla pronto se encontró gravitando hacia el jazz.
Particularmente impresionó a los bateristas, y a principios de la década de 1970 se le acercaron dos de los mejores del jazz: Max Roach, quien lo llevó a el conjunto de percusión M’Boom y Art Blakey, que lo convirtieron en miembro de su banda, los Jazz Messenger. (Había grabado brevemente con Roach años antes, en el hito «¡Insistimos!»)
En 1977, Mantilla se unió a Dizzy Gillespie en el primer conjunto de músicos de los Estados Unidos para tocar en Cuba desde que el embargo entró en vigor a principios de la década de 1960. Un año después, lanzó «Mantilla» en Inner City Records, un sello independiente. Un esfuerzo de fusión erudito aunque también escandaloso, contó con cuatro compañeros de banda de músicos de jazz.
El Sr. Mantilla pronto nombró a esa banda Space Station, y en futuras grabaciones la usaría para experimentar con firmas de tiempos extraños en un contexto de fusión latina, algo que pocos habían intentado antes.
A mediados de la década de 1980, el Sr. Mantilla había ampliado aún más sus horizontes y estaba trabajando con improvisadores y compositores de vanguardia en la Asociación para el Avance de los Músicos Creativos; Grabó con el pianista Muhal Richard Abrams y la pianista y vocalista Amina Claudine Myers.
No importa a dónde lo llevó la música, él permaneció orgulloso de sus raíces en el sur del Bronx. «Soy un baterista callejero», le dijo a la Sra. Gordon. “Las congas son tambores callejeros, hombre. No puedes escribir música para eso «.
Incluso cuando luchó contra el cáncer en sus últimos años, el Sr. Mantilla nunca dejó de jugar. Lanzó su último álbum, «High Voltage», en 2017. Otro, titulado «Rebirth», se lanzará este año en Savant Records.
ARTE EN GENERAL
EL GRITO: Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo
‘Pintado por un loco’: El graffiti de Scream puede revelar el estado de ánimo de Munch
Es una imagen que ha intrigado al mundo del arte durante más de un siglo y se ha convertido en sinónimo de angustia existencial
EL GRITO: Recientemente inspiró su propio emoji, pero ahora algunos graffiti han agregado una nueva capa a la historia de la pintura más icónica de Edvard Munch.
EL GRITO es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular.
Una diminuta inscripción a lápiz en la esquina superior izquierda de una de las cuatro versiones de la pintura, que dice: «Sólo puede haber sido pintada por un loco», ha sido objeto de debate sobre quién la escribió; originalmente se pensó que era por Munch, pero luego fue atribuido a un vándalo, pero un nuevo análisis realizado por expertos en el Museo Nacional de Noruega sugiere que, de hecho, está en manos del artista.
Mai Britt Guleng, especialista en Munch y curadora del museo, comenzó a investigar la inscripción, descubierta por primera vez en 1904, y después de consultar con sus colegas dedujo que era obra del maestro.
EL GRITO Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo
Guleng cree que el comentario revela el estado mental de Munch, quien se cree que hizo la marca en 1895 después de asistir a una reunión en la que un estudiante de medicina dijo que la pintura debe ser obra de alguien que sufría de trastornos mentales.
“Es una combinación de ser irónico, pero también mostrar su vulnerabilidad”, dijo Guleng. “En realidad se está tomando esto muy en serio y está herido porque hay antecedentes de enfermedades en su familia, y estaba muy ansioso, pero se mostró marcado por ello”.
Munch volvió al incidente de 1895 repetidamente en cartas, dijo Guleng, quien agregó que el artista estaba obsesionado con la enfermedad después de ver morir a su hermana cuando era niña por tuberculosis, y su madre sucumbió a la misma enfermedad.
Guleng cree que los antecedentes podrían haberlo llevado a hacer las marcas en la pintura para abordar las críticas a la obra y sus propios demonios internos.
La inscripción se ha ignorado en su mayoría en comparación con otros elementos de la pintura y se pensó que fue realizada por Munch hasta que un catálogo de 2008 del historiador de arte noruego Gerd Woll sugirió que el artista no era responsable de ella.
EMOJI EL GRITO Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo
Guleng recibió la ayuda de un equipo que incluía al conservador Thierry Ford, el bibliotecario de investigación Laffe Jacobson y la editora Hilde Bøe, quienes utilizaron tecnología infrarroja para analizar la escritura a mano y compararla con las cartas de Munch.
La pintura se exhibirá en el nuevo edificio del Museo Nacional, que se inaugurará en Oslo en 2022, donde se ubicará junto a otras pinturas de Munch, como Madonna , The Dance of Life y Self-Portrait with Cigarette en una nueva sala dedicada al artista.
En 2019, el Museo Munch de Oslo se asoció con el Museo Británico de Londres para la exposición Edvard Munch: Love and Angst , que mostró 83 obras de arte en total.
Incluía una litografía en blanco y negro de El grito, y la curadora de la exposición, Giulia Bartrum, dijo en ese momento que Munch estaba “profunda, profundamente consciente de la inestabilidad mental, la enfermedad mental, un tema enorme en ese momento, y eso es lo que estaba tratando de retratar. Cualquier cosa que intente expresar el funcionamiento interno de la mente… tiene una gran resonancia hoy».
Guleng cree que las marcas también muestran que Munch siempre estuvo dispuesto a experimentar con su trabajo y, en particular, con las superficies de sus pinturas.
“Creo que nos dice mucho acerca de la actitud experimental para hacer obras de arte, porque podría haber dicho que no quería dañarlo, pero toda su vida quiso experimentar con la superficie”, dijo.
ARTE EN GENERAL
Botticelli – El infierno de Dante en el arte
Botticelli – El infierno de Dante en el arte
La obra de Botticelli sigue causando fascinación hasta hoy, pero el pintor también tenía un lado oscuro.
Botticelli pintó y dibujó el infierno tal y como lo había descrito el poeta Dante. La obra se consideró perdida durante siglos.
Ya durante su vida las obras del pintor renacentista Botticelli fueron muy apreciadas, especialmente por los Médicis, que fueron sus mecenas.
Sus pinturas son famosas y atraen a cientos de miles de aficionados a sus exposiciones.
Botticelli El infierno de Dante en el arteBotticelli – El infierno de Dante en el arte
Botticelli, conocido por sus pinturas como «El nacimiento de Venus» o «La Primavera», también tenía un lado oscuro.
Pintó y dibujó el Infierno como lo había descrito el poeta Dante, y le llevó más de una década terminarlo. Una de sus obras inspiró al escritor estadounidense Dan Brown a escribir su best seller mundial «Inferno», la «Mappa dell’ Inferno».
La obra estuvo perdida durante siglos, el dibujo original estuvo guardado en las cámaras climáticas del Vaticano durante cientos de años.
Para el reportaje » El infierno de Botticelli» se abrieron las bóvedas del Vaticano. Los autores cuentan la historia de esta obra maestra. El camino al paraíso lleva inevitablemente por más de nueve pasos a través del infierno y el purgatorio. Sólo aquellos que superen todas esas etapas y padezcan todas las torturas del infierno, entrarán en el paraíso… ¡quizás!
Botticelli dio vida a los nueve círculos del infierno descritos por Dante en un total de 102 dibujos detallados. La obra principal de estas ilustraciones es el «Embudo del Infierno», una especie de señalización a lo largo del infierno que muestra las distintas etapas. Una obra fascinante que hace estremecer al espectador por la crueldad que representa y, al mismo tiempo, despierta su curiosidad por los secretos que oculta. ¿Qué nos transmite hoy este lienzo lleno de secretos? Botticelli es considerado uno de los artistas más importantes del Renacimiento.
Una y otra vez rompió con las convenciones y aportó numerosas innovaciones a la pintura. Más de 400 años después de su muerte, sigue influyendo en la cultura popular actual: artistas como Lady Gaga y Dan Brown se inspiran en él.
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AMÉRICA LATINA
El Arte renace en tiempos de Pandemia, Marianela Averame Riera
El Arte renace en tiempos de Pandemia, Marianela Averame Riera
El Arte renace en tiempos de Pandemia: Muchos jóvenes han decidido enfocarse en algo que tenían oculto, otros no. EL ARTE.
Tanto como la música, aprender a tocar un instrumento, la escritura, dejar escritos sentimientos que trascurren en un momento determinado, una vivencia o una vida se ve cada día más común entre todos desde que comenzó la era digital.
La facilidad de compartir arte de manera digital permite a muchos poder exponer sus trabajos, de esta manera, poder compartir sentimientos los cuales son canalizados por otros al sentirse identificados.
Mi nombre es Marianela Averame Riera y escribo.
Escribo desde que tengo razón, desde que el lenguaje se hizo parte de mí. Así que podría decir que lo hago desde siempre. Es la Literatura lo que me salva de la vida (y de mí).
Los poemas son la preferencia de Marianela, encontrar entre los versos una segunda leída, algo escondido, algo que busca pero que no logra encontrar.
Tal vez por eso empezó a escribir, porque le era imposible llegar a sus profundidades con el lenguaje racional y en unas pocas metáforas encontró un nuevo mundo.
Su abuela paterna le entregó en bandeja de plata ese elixir artístico
«Me ensenó a leer y a escribir. Su obsesión por Bécquer y sus setenta balcones me obligaron a sembrar una semilla (que me auto dio como fruto).»
Soy lo que escribí de lo que hicieron de mí, y no podría estar tan cerca de definirme. A mis veintidós años estoy más cerca de ser un poema que una persona.
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Marianela Averame Riera comparte sus textos por las redes y su blog.
En su cuenta de Instagram sube poemas y en su blog cuentos.
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