ARTE EN GENERAL
Ante la cuarentena obligatoria, se agradece todo lo que volverá a quedarse en casa en un poco más amable.
Los imperdibles de la TV por streaming para ver en casa
Ante la cuarentena obligatoria, se agradece todo lo que volverá a quedarse en casa en un poco más amable.
Algunos desafíos la suerte de poder trabajar remoto, otros verán suspendidos las actividades hasta nuevo aviso: y entre adelantar trabajo (o hacer los malabares correspondientes para no quedarse sin ingresos), leer, escribir, hacer clases de gimnasia y yoga en línea y chatear por Skype con los seres queridos, las plataformas de streaming se alzan como compañeras imprescindibles.
Acá, novedades (y no tanto) para que nunca te quedes sin algo para ver.
Los usuarios de Hulu pueden disfrutar de uno de los estrenos más comentados de la temporada, protagonizada por Zoe Kravitz y adaptación de la novela homónima de Nick Hornby. La serie es una inversión milenaria de la película clásica de Stephen Frears (2000), en donde actuaba (aunque no en rol protagónico) Lisa Bonet, la madre de Kravitz. En un rol que en el filme perteneció a John Cusak, Zoe Kravitz es la encargada de una tienda de discos donde ya no se escuchan vinilos sino Spotify que elabora un mapa musical sobre su historia amorosa, buscando remediar su última –y en sus palabras, más dolorosa- ruptura.
Divertida, tierna, ácida y nerd. Ideal para los nostálgicos y también para cualquier espectador nuevo que sea apasionado de la música y el romance.
Con una de las protagonistas femeninas más cínicas y brillantes de la ficción televisiva nos hemos dado, la multipremiada Fleabag no será específicamente un estreno pero tiene todo el mundo hablando de ella.
Protagonizada y escrita por Phoebe Waller-Bridge, la serie de tan solo 12 capítulos (seis por temporada) que terminó en abril de 2019 es el retrato de una joven treintañera que parece no cumplir con las expectativas de nadie y su esfuerzo por sobrevivir al difícil mundo de las relaciones interpersonales, sacar adelante el café que maneja y ser un adulto. Cruel, graciosa e incómoda en partes iguales es una de las piezas fundamentales de los últimos años. Podés verla a través de Amazon Prime.
Primer serie producida por Apple TV, The Morning Show es rabiosamente actual y tiene un elenco estelar. Con Jenniffer Aniston, Steve Carrel y Reese Whiterspoon como trío central, la serie trata sobre las denuncias de comportamiento sexual incorrecto caídas sobre un presentador de noticias y como esto impacta en todo su equipo de trabajo. Un retrato despiadado y entretenido sobre la exposición en tiempos del #MeeToo, inteligente, reflexiva y con Aniston en el papel de su vida.
Uno de los estrenos más celebrados del año; una segunda temporada ya está en producción.
Ideal para los fanáticos del género dramático, este estreno de Netflix es un retrato en clave sutilmente fantástico sobre el dolor de la adolescencia. En algún lugar entre The End of the Fucking World (de los mismos autores), Carrie y Stranger Things, la serie gira entre los tres jóvenes protagonistas Dina, Stan y Syd y le da una vuelta de tuerca al género de adolescentes traumatizados que tienen poderes sobrenaturales para defensores de un mundo cruel en donde la historia familiar, la sexualidad y las relaciones interpersonales en general parecen de una oscuridad amenazante.
Basada en una novela gráfica de Charles Forsman, es obligatoria para aquellos que disfrutan de los relatos, la mayoría de edad continúa con el terror.
Específicamente, la más popular de las plataformas de transmisión incorporó dos documentales sobre estrellas de la música que informó que hablar: Miss Americana, sobre Taylor Swift, y Lil Peep: todo el mundo, sobre el difunto rapero del mismo nombre.
Si bien Swift corrió con un destino mucho más afortunado, ambas piezas son dignas de ver por su revelador enfoque sobre la juventud y la fama. No solo son para melómanos, sino para cualquier curioso de los medios de comunicación y del comportamiento humano.
El catálogo de Estudio Ghibli
En lo que va de este año, Netflix sumó una veintena del que tal vez sea el más imaginativo, profundo y nutritivo catálogo de películas animadas para toda la familia: el estudio Ghibli. Siendo Hayao Miyazaki su integrante más famoso, con títulos a su nombre tales como El Viaje de Chihiro, Mi Vecino Totoro o Princesa Mononoke (todas ellas y muchas más recientemente subidas a la plataforma), las películas de esta factoría japonesa no solo brillan por su sofisticadísima artesanía en animación sino por su mensaje.
Heroínas empoderadas antes de que esté de moda, la importancia de aceptar al diferente, lo imperante de ser uno con la naturaleza, el ejercicio de la paciencia y la compresión. Estos relatos no subestiman al público de ninguna edad y son adorados tanto como por adultos como por niños de todas las generaciones. ¡Ideal para una cuarentena en familia!
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AMÉRICA LATINA
TELESÍADA, Rezabaile Nacional desde el 12 de diciembre a las 21
TELESÍADA, Rezabaile Nacional
Un radioteatro que pone en el centro de la escena la pregunta por el cuerpo femenino.
Un cuerpo femenino en particular, el de Marita Verón. Y por el cuerpo de todas y cada una de las mujeres víctimas de femicidios.
TELESÍADA, Rezabaile Nacional
Desde el Miércoles 12 de diciembre a las 21 hs hasta el 22 de diciembre a las 21hs
RADIOTEATRO por Streaming sobre el caso Marita Verón
Entradas y reservas a la gorra virtual desde $400 https://bit.ly/3yqMCuG
Autoría: Florencia Aroldi
Voces: Cielo Chaina (Eva), Rosana López (Anciana), Julián Belleggia (Pedro),
Fiorella Barchiesi (María), Lula Benitez (Mujer 1), Ana Pasulevicius (Mujer 2), Angel Blanco (Hombre 1),
Miguel Angel Villar (Hombre 2), Gustavo Reverdito (Báez), Juan Trzenko (Giménez), Marcelo Rodríguez (Méndez)
Diseño gráfico @deceroidentidadgrafica
Música original, diseño sonoro y edición: Rony Keselman
Dirección General: Florencia Aroldi
TELESÍADA, Rezabaile Nacional
En un pueblo desapareció la telesita, mito del norte argentino, en el mismo momento desaparece una joven,
María cedrón. La madre va a la comisaría a buscarla, pero es interrumpida por el pueblo que quiere denunciar la desaparición del espectro. Dos búsquedas. Dos tipos de pensamientos, uno mítico religioso y otro, amor de una madre, que irá tornándose en acción política.
En este radioteatro no hay un relator, hay un sujeto femenino. El relato es llevado adelante por las voces de víctimas sobrevivientes de abusos sexuales, así como también de las voces de las mujeres que no han sobrevivido… sus cuerpos nos hablan, gritan, son parte del abecedario de esta lucha. Este radioteatro pone voz, a ellas, a las que ya no pueden hablar, la que no pueden denunciar a sus abusadores, las que no pueden decirnos dónde están, las que fueron asesinadas, por ser mujeres.
Este audiodrama reflexiona sobre las prácticas sexuales de esta sociedad que goza a las mujeres como objetos mercantiles, objetos de consumo, hasta matarlas. En la metáfora de la Telesíada, es decir de ciertas prácticas que expresamos esta tradición, de un sector de la sociedad en complicidad con sectores del poder que lo hacen posible, muestra de esto es nuestro presente y nuestra historia como pasarela interminable donde vemos en un desfile macabro: “se va la primera” “Se va la segunda”
En La Telesíada rezabaile nacional ellas tienen voz colectiva. El relato se construye por partes, poética que se acerca a lo que vive para siempre una sobreviviente de un abuso sexual: la fragmentación de su percepción, de su confianza. Cada una de ellas son silabas que desarticuladas no dicen nada pero que en una organización colectiva logran el lema de su lucha: No a la trata, no a los abusos sexuales.
Este radioteatro va a la población en general buscando concientizar la problemática.
Telesíada rezabaile nacional es el pasaje y reordenamiento de un pensamiento mítico-religioso que invisibiliza estas prácticas y que por silencio o miedo permite que estas redes sigan existiendo. La búsqueda en soledad de esa madre deviene organización colectiva produciendo el marco institucional legal, de esta manera se re establece el orden político por un lado y religioso por otro.
Mujeres de todas las edades conforman esta relatora múltiple con un objetivo en común: Justicia y Educación sexual integral, para que ninguna más sufra nunca más ningún tipo de abuso, psíquico ni sexual” – Florencia Aroldi
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ARTE EN GENERAL
El Smithsonian adquiere raros retratos antiguos de los primeros fotógrafos negros
El Smithsonian adquiere raros retratos antiguos de los primeros fotógrafos negros
Larry West buscaba un pasatiempo que combinara las artes visuales y la historia de Estados Unidos. Y lo encontró en 1975 en una tienda de antigüedades en Mamaroneck, Nueva York. En ese momento, las cajas de daguerrotipos, el primer proceso fotográfico comercialmente exitoso, inventado alrededor de 1839, simplemente estaban allí, dice West. Así que compró uno «que resultó ser un afroamericano «, dice Edición de fin de semana. «Y estaba fascinado».
Esa compra se embarcó en un pasatiempo y pasión de 45 años, con West recolectando fotografías antiguas de algunos de los primeros fotógrafos afroamericanos, incluidos James P. Ball, Glenalvin Goodridge y Augustus Washington.
(Izquierda) Sin título (mujer sonriente, estuche fotográfico), ca. 1850, daguerrotipo de sexta placa; (Derecha) Sin título (mujer con libros), sin fecha, daguerrotipo de cuarto de placa. Museo Smithsonian de Arte Americano, Colección LJ West de Fotografía Antigua Afroamericana, Compra del Museo posible gracias a la Fundación Franz H. y Luisita L. Denghausen.
Ahora, su colección de 286 objetos que datan de la década de 1840 hasta aproximadamente 1925, que incluye daguerrotipos y otros tipos tempranos de obras fotográficas, se ha vendido al Smithsonian American Art Museum en Washington, DC Stephanie Stebich, directora del museo, lo llama «un colección transformadora para nosotros «. El museo tuvo que competir con otras instituciones importantes para adquirirlo.
Los daguerrotipos fueron muy populares en las décadas de 1840 y 1850 y se estima que se fabricaron de 3 a 5 millones en los Estados Unidos. Pero solo existen entre 30.000 y 40.000. Ese número es aún menor para los daguerrotipos que vinieron de estos primeros estudios afroamericanos, que suman alrededor de 166 para Ball, Goodridge y Washington, según el Smithsonian.
West recolectó 40 de ellos, haciéndolos «tan raros como los dientes de gallina», dice Stebich. La compra significa que el museo ahora posee la mayor colección de daguerrotipos de estos tres fotógrafos negros.
Sin título (mujer, joyas de oro), ca. 1851 o posterior, daguerrotipo de sexta placa. Museo Smithsonian de Arte Americano, Colección LJ West de Fotografía Antigua Afroamericana, Compra del Museo posible gracias a la Fundación Franz H. y Luisita L. Denghausen.
Sin título (mujer con niño en el regazo), sin fecha, daguerrotipo de cuarto de placa. Smithsonian American Art Museum, la colección LJ West de fotografía estadounidense temprana, la compra del museo fue posible gracias a la fundación Franz H. y Luisita L. Denghausen.
Los daguerrotipos son retratos de sujetos en blanco y negro. Y se pueden personalizar para que quepan en anillos, broches o en marcos y tamaños personalizados. «Para saber tan temprano [African] Los fotógrafos estadounidenses estaban haciendo este tipo de trabajo es algo que sabíamos, pero les diría que lo hemos pasado por alto. Es una historia que ha sido marginada. Y ahora esta será una historia que destacaremos una vez más «, dice Stebich.
Artista no identificado, Sin título (alfiler / colgante, mujer con rizos; verso, con cabello esculpido), 1853, daguerrotipo en engaste metálico. Smithsonian American Art Museum, la colección de joyería fotográfica LJ West, la compra del museo fue posible gracias a la fundación Franz H. y Luisita L. Denghausen.
(Izquierda) Artista no identificado, Sin título (alfiler / colgante, hombre con corbata grande), 1848, daguerrotipo en engaste metálico. (Derecha) Artista no identificado, Sin título (broche, hombre con perilla), sin fecha, impresión a la albúmina en engaste metálico. Smithsonian American Art Museum, la colección de joyería fotográfica LJ West, la compra del museo fue posible a través de Franz H. y Luisita L.
Parte de esa historia es un vistazo a la moda, los intereses y la vida cotidiana de los afroamericanos durante el ferrocarril clandestino y los movimientos abolicionistas. El padre de Glenalvin Goodridge fue una figura importante del ferrocarril subterráneo y aparecerá en un segmento dedicado a ese movimiento cuando la colección esté disponible públicamente. «Esto ayudará a contar nuevas historias», dice West.
Es probable que la colección no se exhiba hasta 2023, y el museo está buscando un financiador para realizar más investigaciones en la extensa biblioteca de West.
(Izquierda) Artista no identificado, Sin título (mujer con cinta para el pelo), ambrotipo de sexta placa sin fecha. (Derecha) Artista no identificado, Sin título (colgante grande, joven), 1840-1849, daguerrotipo en engaste metálico. Museo Smithsonian de Arte Americano, la Colección LJ West de Fotografía Antigua Americana, la compra del Museo fue posible gracias a la Fundación Franz H. y Luisita L. Denghausen.
Artista no identificado, Sin título (banda para el cabello, niño), ca. 1865, daguerrotipo, pelo tejido, fornitura de metal. Smithsonian American Art Museum, la colección de joyería fotográfica LJ West, compra del museo posible gracias a la fundación Franz H. y Luisita L. Denghausen
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AMÉRICA LATINA
MENTE EN BLANCO el 3 de Septiembre 14 a 16 hs FM Regina
MENTE EN BLANCO vuelve el 3 de septiembre de 14 a 16 hs por FM Regina
«MENTE EN BLANCO» es un programa de entretenimientos. El formato se emitió en radio, tv streaming y vuelven el viernes 3 de septiembre de 14 a 16 hs por FM Regina. Como objetivo principal tienen la sana idea de contagiar ganas, difundir arte y buena onda.
El equipo está formado por los actores Angel Blanco y Julian Belleggia en la conducción y contará con columnistas invitados creando un espacio donde puedan materializar y difundir sus emprendimientos.
Con producción artística de INTUIR, música original de parte de los artistas Ezekiel Frezza, Martin Lucero y Eliana Frezza. Fotografía de Gianni Mestichelli y De Cero Identidad Gráfica en imagen y diseño.
A días de comenzar su cuarta temporada el programa desembarca en la mítica Casa del Teatro y propone alternativas para poner la mente en blanco tomando como eje el arte, la cultura y el entretenimiento.
MENTE EN BLANCO vuelve el 3 de septiembre de 14 a 16 hs por FM Regina
La radio se escucha a través de https://reginafm.com/ y el programa ira los viernes de 14 a 16hs.
@menteenblancook @julibelleggia @angelblancook @radioregina_fm
MENTE EN BLANCO vuelve el 3 de septiembre de 14 a 16 hs por FM Regina
Julián Belleggia: (@julibelleggia)
«Estamos muy entusiasmados de volver a la radio y desde el teatro Regina que nos parece doblemente significativo por lo que es el teatro y la radio para nosotros y para el público. Se abre un nuevo espacio para difusión de las artes en general, el buen vivir y pasar momentos agradables, sanos y en compañía. Los invitamos a compartir dos horas de buena energía y encuentros valiosos».
Angel Blanco: (@angelblancook)
«Estamos muy contentos con esta vuelta. Difundir arte que es el mundo que nos convoca y nos transforma. Vamos a escuchar distintas voces y pasar buenos momentos ya que el programa parte de la base de poner la mente en blanco y no tanto bombardeo de la actualidad que a veces nos agobia. Será un lindo espacio de entretenimiento donde invitamos a los oyentes a ser parte».
Sobre la radio REGINA FM: (@radioregina_fm)
Situada en la CASA DEL TEATRO, para recuperar parte de la esencia que deseaba y anhelaba REGINA PACINI, su fundadora y creadora. Una radio con las más altas expresiones musicales clásicas y del quehacer cultural. Una radio para el teatro y su difusión.
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ARTE EN GENERAL
Chicago, cuelgan carteles que anuncian la obra de arte de Bisa Butler
Chicago, cuelgan carteles que anuncian la obra de arte de Bisa Butler
En la parte superior de la Gran Escalera del Instituto de Arte de Chicago, cuelgan enormes y coloridos carteles que anuncian la obra de arte de Bisa Butler.
La especialidad de Butler son las telas, específicamente los edredones. Y las atrevidas imágenes de los negros que une, usando textiles como pintura en una explosión de color, se transforman en acolchado.
«Describo mi obra de arte como un álbum de fotos acolchado de una familia negra. Pero es la familia de la diáspora negra», dice Butler, de pie en la sala de exposiciones y contemplando su trabajo.
Ella explica que algunas de las personas representadas en su álbum de fotos son bien conocidas, otras simplemente personas comunes y corrientes a menudo se pasan por alto. No importa. Todos se celebran.
«Esta gente corriente que puede haber sido muy pobre es gente que debería ser muy respetada, el amor en el cuidado que se tienen el uno al otro, la forma en que se presentan», dice. «Veo la dignidad y la belleza. Así que quiero que otras personas vean eso».
Esta es su primera exhibición individual en un museo, que debutó en Nueva York. Muchas de las obras se basan en fotografías de archivo de los años treinta y cuarenta.
Entre ellos se encuentra la «Patrulla de seguridad» de Butler. La colcha de apertura de la exhibición es su versión de la foto de 1947 de siete niños en edad escolar tomada por el destacado fotógrafo afroamericano Charles «Teenie» Harris.
«De alguna manera siento que me están llamando», dice Butler. Trabajó en esta colcha durante su último año de enseñanza de arte a estudiantes de secundaria en 2018.
Las figuras de tamaño natural vibran con sus propios tonos vibrantes individuales. El joven a cargo, que impide que sus compañeros de escuela crucen la calle, viste una camisa con estampado de batik nigeriano.
«Nos está mirando a los ojos», dice Butler. «Incluso tiene una gorra pequeña, como si fuera un oficial, pero lo es. Es un oficial de patrulla de seguridad. Así que esta fue la colcha que hice, de alguna manera, para reforzarme a mí mismo que los niños estarían bien».
Como pintora, Butler selecciona su paleta con telas de Ghana, la tierra natal de su padre, así como de otros países africanos. Su madre, de Nueva Orleans, se crió en Marruecos.
«Estoy pensando en el color como una forma de expresar emociones internas o rasgos de personalidad y estoy seleccionando tela africana para hablar sobre el hecho de que somos afrodescendientes y tenemos una larga historia que se tomó», dice Butler. «Se sabe que tenemos linaje y venimos de la gente. Así que quiero que se reconozca eso y elegiré diferentes tejidos dependiendo de cuál sea la historia».
Es un esfuerzo artístico en profundidad, lo que significa que Butler pasará unas 200 horas creando una colcha.
Como una pintora, Butler selecciona su paleta, una paleta que consiste en telas. Muchos provienen de Ghana, la tierra natal de su padre y de otros países africanos. Su madre, de Nueva Orleans, se crió en Marruecos.
La curadora asociada de textiles del Instituto de Arte, Erica Warren, dice que el museo ha estado recolectando edredones desde principios del siglo XX y tiene una colección de aproximadamente 230 de ellos. Warren dice que los edredones de Butler resuenan en todas las disciplinas de la pintura, la fotografía y los textiles.
«No es como ninguna otra colcha que haya visto. Y no es como ningún otro retrato que haya visto», dice. «Hay una oportunidad para mirar el trabajo desde tantos puntos de vista diferentes».
Ella usa tela como pintura para crear algo extraordinario
La complejidad de los edredones —los vestidos ondulados para cuatro niñas, las telas en capas que forman el fondo— asombra a muchos de los visitantes de la galería que sacan sus cámaras para tomar fotografías. Kamau Grantham, psicólogo clínico, recorrió la exhibición con sus hijos de 9 y 12 años.
«Es asombroso.» Grantham dice. «La amplitud del trabajo, los detalles, los colores».
Meya Garrett, de 16 años, es estudiante de último año de Collins Academy High School y fue tomada con la colcha de una niña de 7 años, con el pelo recogido en coletas.
Anaya con naranjas, 2017. Colección Dimmitt Davies. Fotografía de Margaret Fox
«Me gusta cómo retrata a los negros», dice Garrett, «y por lo general usa flores o como una tela brillante para el cabello y cosas así para retratar el cabello rizado de las mujeres negras».
Melanie Meade y Terri Raulie, profesora de diseño y artes escénicas, quedaron paralizadas por la colcha «Survivor» de Butler, que aborda el tema de la mutilación genital femenina. En la interpretación de Butler de una fotografía de una joven mujer de una tribu keniana que se había sometido a una circuncisión, las telas de color púrpura oscuro y rojo componen su rostro y sus ojos miran directamente a los espectadores.
«Simplemente te atraviesan», dice Meade, y Raulie inmediatamente agrega: «Superviviente allí, simplemente te rompe el corazón. Puedes sentirlo. Puedes sentir esa narración de historias, ya sabes, en una colcha. En Tela».
La música y el arte se combinan para crear su propia lista de reproducción.
Butler, que escribe narrativas sobre su obra de arte en las redes sociales, dice que quiere que la gente entienda lo que está tratando de decir sobre su trabajo y sobre los negros.
Ella también quiere que la gente escuche. Con cada edredón hay música, una canción propia. Butler colaboró con su esposo John, un DJ profesional, para crea la lista de reproducción, una mezcla de artistas clásicos y actuales con algo que decir.
El estudio de John Butler, en el sótano de la casa de la pareja, está debajo de la habitación donde trabaja su esposa.
«Entonces su música siempre es parte de mi trabajo», dice Bisa. John agrega: «A lo largo de nuestra relación ha sido música y arte y son lo mismo. Están hechos de la misma tela, son del mismo hilo».
Los Butler dicen que eso les facilitó la creación de canciones de artistas como Tupac Shakur, Muddy Waters, Mahalia Jackson, Jill Scott y otros para conocer el arte de las colchas de Bisa Butler.
Southside domingo por la mañana, 2018. Fotografía de Margaret Fox
En una galería, Butler, vestida con un traje pantalón con estampado africano tan colorido como sus retratos, se para frente a una colcha que ella llama «Southside Sunday Morning». Es su versión de la icónica foto de Russell Lee, llamada «Niños negros en la mañana de Pascua».
Los muchachos vestidos con sus mejores galas de domingo, trajes, corbatas y sombreros, se sientan en un automóvil en el lado sur de Chicago. No hay coche en la colcha de Butler.
«Un niño, en el original, su pie descansa sobre una placa, pero me encanta mostrar que está tan» limpio «, que incluso las suelas de sus zapatos están limpias», se ríe. «Y esta pieza me habla de cómo nuestra comunidad ama a nuestros niños».
Butler se formó como pintora en la Universidad de Howard antes de obtener su título de posgrado en la Universidad Estatal de Montclair en Nueva Jersey. La exhibición del Art Institute también incluye el trabajo de artistas que la influenciaron, como Romare Bearden, el fotógrafo Gordon Parks, Barbara Jones Hogu y otros miembros del colectivo AfriCobra formado en Chicago en la década de 1960 para afirmar una estética negra en las artes visuales.
Sin embargo, el arte de Butler es parte de una tradición familiar: un conocimiento de los textiles y la ropa transmitido por su madre y su abuela, ambas costureras consumadas. Normalmente considerado un oficio, Butler está de acuerdo en que el mundo del arte está comenzando a dar lo que merece al acolchado.
Sus «Retratos» permanecerán en exhibición en las galerías de bellas artes del Art Institute of Chicago hasta el 6 de septiembre.
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AMÉRICA LATINA
Terapia Sonora: «Ondas Alfa Pura 8Hz, Tonos Graves»
Algunos Beneficios de la ESCUCHA de ONDAS ALFA 8Hz de Tonos Graves
ONDAS ALFA: Terapias sonoras y sus resultados
Ondas Alfa Pura 8Hz, Tonos Graves: Los tonos graves son los sonidos bajos con baja frecuencia del espectro audible (20 Hz- 20.000 Hz), son sonidos que están a menos de 250 Hz.
El sonido es una sensación percibida por el oído al recibir variaciones de presión, las cuales son generadas por movimientos vibratorios.
- ATENCIÓN PLENA (HACIA EL INTERIOR)
- INDUCE EL ESTADO DE PRESENCIA
- MEJORA LA SALUD, AL AUMENTAR EL SISTEMA INMUNOLÓGICO
- MEJORA LA FUNCIÓN COGNITIVA: MAYOR ATENCIÓN Y + APRENDIZAJE AL USAR LOS DOS HEMISFERIOS CEREBRALES
- MAYOR CREATIVIDAD
- DISMINUCIÓN DE STRESS Y ANSIEDAD
- ARMONÍA HOLÍSTICA DE MENTE, CUERPO Y SER, AL ENTRAR EN UN ESTADO MEDITATIVO
- EQUILIBRIO EMOCIONAL / SENTIMENTAL, AUMENTANDO LOS NIVELES DE SEROTONINA
- CONEXIÓN MÁS FLUIDA CON LA FUENTE Y EL UNIVERSO TODO
- UNA CONEXIÓN MÁS PROFUNDA CON TU SER Y TU SUBCONSCIENTE
- CONEXIÓN MÁS GENUINA CON LOS DEMÁS
- AUMENTO DE SENTIMIENTOS POSITIVOS DE ALTA FRECUENCIA VIBRATORIA, ESPECIALMENTE EL DE LA PAZ Y ARMONIA INTERIOR
Consideraciones Importantes para Potenciar Resultados
- Escuchar con Plena Atención, sin que nada te distraiga, al menos por 7 minutos, de manera recurrente durante 21 días preferentemente
- Escuchar a un Volumen Tenue y No en exceso
- Si es con Auriculares mejor, ya que va a Potenciar la Experiencia
- Tené en cuenta que los tonos de este Sonido Binaural son Graves, lo cual facilita la Relajación Profunda
Nombre de la Terapia Sonora: «Ondas Alfa Pura 8Hz, Tonos Graves»
![🔊ONDAS ALFA: Liberate del Estrés y Ansiedad [Onda Alfa Pura] Sonidos Binaurales/Ondas Cerebrales 🎧](https://i0.wp.com/i.ytimg.com/vi/tLyM8ubZjNI/0.jpg?resize=740%2C405&ssl=1)
Creada por Martín Lucero:
Músico Consciente y Mentor Holístico
Creador del Método y Academia «La Música Nos Conecta»
Cantante, Compositor, Productor, Guitarrista
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ARTE EN GENERAL
Tango, Hip Hop, Jazz y más. Día Internacional de la Danza
Día Internacional de la Danza 2021
El día se celebra en todo el mundo el 29 de abril para fomentar la participación y educación en la danza a través de eventos y festivales.
El Día Internacional de la Danza en medio de la pandemia de Covid-19 puede brindar a las personas una ventana de alegría y esperanza.
Tomarse un poco de tiempo para bailar su blues con música animada en casa, el Día Internacional de la Danza, sería un paso positivo en la dirección correcta.
Los expertos sugieren que la música y la danza ayudan a contrarrestar el impacto emocional de la tristeza y la ruina de la pandemia que nos rodea.
La danza es una expresión creativa, la danza ayuda a contrarrestar la ansiedad, la depresión y el estrés postraumático. Los internautas, en el Día Internacional de la Danza, parecen temblar virtualmente.
El día se celebra en todo el mundo el 29 de abril para fomentar la participación y educación en la danza a través de eventos y festivales.
BAILE DE BALLET: Considerado como una de las formas de baile más difíciles, el baile de ballet generalmente se establece con música orquestada y es la base de muchas otras formas. Su compleja mezcla de técnica, coordinación y musicalidad lo convierte en una base excelente para las personas que buscan sobresalir en el baile.
TANGO: Consiste en una variedad de estilos que nacieron en diferentes regiones y épocas de Argentina y en otros lugares del mundo, en respuesta a muchos elementos culturales, como la aglomeración del lugar e incluso la moda de la ropa. Algunos estilos populares de tango incluyen tango vals, tango argentino, tango canyengue, tango oriental uruguayan, tango liso y tango salon.
HIP HOP: La forma de baile urbano, también conocida como Street Dance, se realiza principalmente con música hip hop, urbana y rap. Su naturaleza freestyle está abierta a la expresión personal y esto es lo que la distingue de otras formas de danza.
TAP DANCING: Con zapatos especialmente diseñados con placas de metal en la puntera y el talón, los bailarines de esta forma usan sus pies para crear un sonido similar al producido por los instrumentos de percusión. Los dos ejemplos más notables de claqué son el Rhythm Tap musical y el Broadway Tap orientado al baile y al movimiento. Esta forma de danza ayuda especialmente a los bailarines a nutrir su sentido del ritmo.
JAZZ: Se dice que esta forma de baile popular ha sido influenciada por el ballet, moderno, tap, hip-hop, danza africana y muchos más estilos.
LÍRICA: Esta forma de danza basada en el ballet también abarca movimientos de danza moderna y jazz y se enfoca en transmitir musicalidad y emoción a través del movimiento.
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ARTE EN GENERAL
EL GRITO: Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo
‘Pintado por un loco’: El graffiti de Scream puede revelar el estado de ánimo de Munch
Es una imagen que ha intrigado al mundo del arte durante más de un siglo y se ha convertido en sinónimo de angustia existencial
EL GRITO: Recientemente inspiró su propio emoji, pero ahora algunos graffiti han agregado una nueva capa a la historia de la pintura más icónica de Edvard Munch.
EL GRITO es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular.
Una diminuta inscripción a lápiz en la esquina superior izquierda de una de las cuatro versiones de la pintura, que dice: «Sólo puede haber sido pintada por un loco», ha sido objeto de debate sobre quién la escribió; originalmente se pensó que era por Munch, pero luego fue atribuido a un vándalo, pero un nuevo análisis realizado por expertos en el Museo Nacional de Noruega sugiere que, de hecho, está en manos del artista.
Mai Britt Guleng, especialista en Munch y curadora del museo, comenzó a investigar la inscripción, descubierta por primera vez en 1904, y después de consultar con sus colegas dedujo que era obra del maestro.
EL GRITO Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo
Guleng cree que el comentario revela el estado mental de Munch, quien se cree que hizo la marca en 1895 después de asistir a una reunión en la que un estudiante de medicina dijo que la pintura debe ser obra de alguien que sufría de trastornos mentales.
“Es una combinación de ser irónico, pero también mostrar su vulnerabilidad”, dijo Guleng. “En realidad se está tomando esto muy en serio y está herido porque hay antecedentes de enfermedades en su familia, y estaba muy ansioso, pero se mostró marcado por ello”.
Munch volvió al incidente de 1895 repetidamente en cartas, dijo Guleng, quien agregó que el artista estaba obsesionado con la enfermedad después de ver morir a su hermana cuando era niña por tuberculosis, y su madre sucumbió a la misma enfermedad.
Guleng cree que los antecedentes podrían haberlo llevado a hacer las marcas en la pintura para abordar las críticas a la obra y sus propios demonios internos.
La inscripción se ha ignorado en su mayoría en comparación con otros elementos de la pintura y se pensó que fue realizada por Munch hasta que un catálogo de 2008 del historiador de arte noruego Gerd Woll sugirió que el artista no era responsable de ella.
EMOJI EL GRITO Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo
Guleng recibió la ayuda de un equipo que incluía al conservador Thierry Ford, el bibliotecario de investigación Laffe Jacobson y la editora Hilde Bøe, quienes utilizaron tecnología infrarroja para analizar la escritura a mano y compararla con las cartas de Munch.
La pintura se exhibirá en el nuevo edificio del Museo Nacional, que se inaugurará en Oslo en 2022, donde se ubicará junto a otras pinturas de Munch, como Madonna , The Dance of Life y Self-Portrait with Cigarette en una nueva sala dedicada al artista.
En 2019, el Museo Munch de Oslo se asoció con el Museo Británico de Londres para la exposición Edvard Munch: Love and Angst , que mostró 83 obras de arte en total.
Incluía una litografía en blanco y negro de El grito, y la curadora de la exposición, Giulia Bartrum, dijo en ese momento que Munch estaba “profunda, profundamente consciente de la inestabilidad mental, la enfermedad mental, un tema enorme en ese momento, y eso es lo que estaba tratando de retratar. Cualquier cosa que intente expresar el funcionamiento interno de la mente… tiene una gran resonancia hoy».
Guleng cree que las marcas también muestran que Munch siempre estuvo dispuesto a experimentar con su trabajo y, en particular, con las superficies de sus pinturas.
“Creo que nos dice mucho acerca de la actitud experimental para hacer obras de arte, porque podría haber dicho que no quería dañarlo, pero toda su vida quiso experimentar con la superficie”, dijo.
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ARTE EN GENERAL
Botticelli – El infierno de Dante en el arte
Botticelli – El infierno de Dante en el arte
La obra de Botticelli sigue causando fascinación hasta hoy, pero el pintor también tenía un lado oscuro.
Botticelli pintó y dibujó el infierno tal y como lo había descrito el poeta Dante. La obra se consideró perdida durante siglos.
Ya durante su vida las obras del pintor renacentista Botticelli fueron muy apreciadas, especialmente por los Médicis, que fueron sus mecenas.
Sus pinturas son famosas y atraen a cientos de miles de aficionados a sus exposiciones.
Botticelli El infierno de Dante en el arteBotticelli – El infierno de Dante en el arte
Botticelli, conocido por sus pinturas como «El nacimiento de Venus» o «La Primavera», también tenía un lado oscuro.
Pintó y dibujó el Infierno como lo había descrito el poeta Dante, y le llevó más de una década terminarlo. Una de sus obras inspiró al escritor estadounidense Dan Brown a escribir su best seller mundial «Inferno», la «Mappa dell’ Inferno».
La obra estuvo perdida durante siglos, el dibujo original estuvo guardado en las cámaras climáticas del Vaticano durante cientos de años.
Para el reportaje » El infierno de Botticelli» se abrieron las bóvedas del Vaticano. Los autores cuentan la historia de esta obra maestra. El camino al paraíso lleva inevitablemente por más de nueve pasos a través del infierno y el purgatorio. Sólo aquellos que superen todas esas etapas y padezcan todas las torturas del infierno, entrarán en el paraíso… ¡quizás!
Botticelli dio vida a los nueve círculos del infierno descritos por Dante en un total de 102 dibujos detallados. La obra principal de estas ilustraciones es el «Embudo del Infierno», una especie de señalización a lo largo del infierno que muestra las distintas etapas. Una obra fascinante que hace estremecer al espectador por la crueldad que representa y, al mismo tiempo, despierta su curiosidad por los secretos que oculta. ¿Qué nos transmite hoy este lienzo lleno de secretos? Botticelli es considerado uno de los artistas más importantes del Renacimiento.
Una y otra vez rompió con las convenciones y aportó numerosas innovaciones a la pintura. Más de 400 años después de su muerte, sigue influyendo en la cultura popular actual: artistas como Lady Gaga y Dan Brown se inspiran en él.
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AMÉRICA LATINA
El Arte renace en tiempos de Pandemia, Marianela Averame Riera
El Arte renace en tiempos de Pandemia, Marianela Averame Riera
El Arte renace en tiempos de Pandemia: Muchos jóvenes han decidido enfocarse en algo que tenían oculto, otros no. EL ARTE.
Tanto como la música, aprender a tocar un instrumento, la escritura, dejar escritos sentimientos que trascurren en un momento determinado, una vivencia o una vida se ve cada día más común entre todos desde que comenzó la era digital.
La facilidad de compartir arte de manera digital permite a muchos poder exponer sus trabajos, de esta manera, poder compartir sentimientos los cuales son canalizados por otros al sentirse identificados.
Mi nombre es Marianela Averame Riera y escribo.
Escribo desde que tengo razón, desde que el lenguaje se hizo parte de mí. Así que podría decir que lo hago desde siempre. Es la Literatura lo que me salva de la vida (y de mí).
Los poemas son la preferencia de Marianela, encontrar entre los versos una segunda leída, algo escondido, algo que busca pero que no logra encontrar.
Tal vez por eso empezó a escribir, porque le era imposible llegar a sus profundidades con el lenguaje racional y en unas pocas metáforas encontró un nuevo mundo.
Su abuela paterna le entregó en bandeja de plata ese elixir artístico
«Me ensenó a leer y a escribir. Su obsesión por Bécquer y sus setenta balcones me obligaron a sembrar una semilla (que me auto dio como fruto).»
Soy lo que escribí de lo que hicieron de mí, y no podría estar tan cerca de definirme. A mis veintidós años estoy más cerca de ser un poema que una persona.
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Marianela Averame Riera comparte sus textos por las redes y su blog.
En su cuenta de Instagram sube poemas y en su blog cuentos.
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AMÉRICA LATINA
GRANDES HISTORIAS DEL TANGO, Domingo 6 de DICIEMBRE 2020
GRANDES HISTORIAS DEL TANGO
Domingo 6 de DICIEMBRE 2020 – 21Hs UNICA FUNCIÓN
Radioteatros en VIVO basados en Aquel tapado de Armiño y Charlemos
TEATRO NUN – Juan Ramírez de Velasco 419 Tel: 4854-2107 I Transmitido por streaming I Entradas por Alternativa Teatral.
Grandes historias del tango de Fernando Rinaldi, Gabriel Virtuoso en Alternativa. Comunidad en escena. (alternativateatral.com)
Presenciales $500 – Streaming en vivo desde $350
GRANDES HISTORIAS DEL TANGO Domingo 6 de DICIEMBRE 2020
Grandes Historias del Tango. Tangos de ayer para radioteatros de hoy.
El radioteatro vuelve y lo hacemos en vivo en el teatro NUN.
Porque en cada tango hay una historia y hemos decidido imaginarla para ustedes y ponerle voz. Presentamos dos bonitas páginas del acervo poético porteño “Aquel tapado de Armiño” y “Charlemos”, ambos famosos tangos convertidos en radioteatros por las plumas autorales de Fernando Rinaldi y Gabriel Virtuoso.
En la voz de grandes interpretes de la escena nacional, contratados sin escatimar un peso, por GRANDES HISTORIAS DEL TANGO. ¡Para deleite de las membranas gozadoras de nuestros auditóriums!
Actrices y actores de renombre de la escena nacional convocados a revivir argumentos eternos, en vivo y en directo, sin red, para disfrutarlos en el teatro o en la comodidad de sus casas, en la tele, en la Tablet o el celular.
FICHA TÉCNICA:
Autores: Fernando Rinaldi y Gabriel Virtuoso
Actúan (por orden alfabético): Irene Almus, Julián Belleggia, Angel Blanco, Santiago Doria, Mariana Giovine, Juan Trzenko, Gabriela Villalonga y Gabriel Virtuoso.
En tango Aquel tapado de Armiño es interpretado en guitarra por Federico Patiño de quien es el arreglo, la voz de Gabriel Virtuoso.
Dirección General: Gabriel Virtuoso
Diseño Gráfico: @deceroidentidadgrafica
Producción General: Grupo Espumas
Duración estimada: 60 minutos
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AMÉRICA LATINA
Google Doodle de hoy, Homenaje al Mariachi
Google Doodle de hoy, Homenaje al Mariachi
Mariachi • Doodle de Google • Garabato • Cultura
La música se ha convertido en un símbolo de la cultura mexicana, celebrando tanto la alegría como el dolor.
El mariachi es la música popular por excelencia de México y se ha convertido en un símbolo de la cultura del país. Es el acompañamiento musical de los momentos más importantes de la vida, celebrando la alegría y el dolor.
Para celebrar el inconfundible conjunto de trompetas, guitarras y violines, Google dedicó este martes un Doodle musical y animado a lo que se ha dado a conocer como el sonido México. El Doodle presenta una serenata de mariachi de la canción clásica Cielito Lindo, que se traduce aproximadamente a Lovely Sweet One.
Originaria del oeste de México en el siglo XVIII, una banda de mariachis tradicional está compuesta por al menos dos violines, una guitarra acústica, un bajo acústico llamado guitarrón y una vihuela, una guitarra con un fondo redondeado que produce tonos agudos. Las bandas de mariachis modernas han agregado trompetas, un cantante e incluso el arpa ocasional.
Los músicos visten traje de charro, el traje de los vaqueros mexicanos que consiste en pantalones ajustados, una chaqueta corta y un sombrero de ala ancha elaboradamente decorado con bordados y botones dorados o plateados.
El mariachi se toca con frecuencia en bodas y cumpleaños, así como en funerales. También se puede escuchar en las plazas de México y el suroeste de los Estados Unidos, desde El Paso, Texas, hasta Los Ángeles.
En 2011, la UNESCO reconoció al mariachi como parte del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad , diciendo que: «La música del mariachi transmite valores de respeto por el patrimonio natural de las regiones de México y la historia local en el idioma español y las diferentes lenguas indígenas del occidente mexicano . »
El video de hoy Doodle celebra un elemento por excelencia de la rica herencia cultural de México: el género musical del Mariachi.
Google Doodle de hoy, Homenaje al Mariachi: El mariachi se caracteriza típicamente por un pequeño grupo de músicos vestidos con ropas tradicionales que interpretan un amplio repertorio de canciones mexicanas en la mayoría de los instrumentos de cuerda (el término Mariachi puede referirse a la música oa los propios músicos).
Durante una sesión celebrada la semana del 22 de noviembre de 2011, la UNESCO inscribió al Mariachi en su Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
El video de hoy Doodle celebra un elemento por excelencia de la rica herencia cultural de Mexico
La tradición del mariachi nació en el centro-oeste de México a finales del siglo XIX, aunque se desconocen sus orígenes exactos. Al principio, el género era estrictamente instrumental, compuesto por los sonidos de instrumentos de cuerda , y finalmente la voz y la trompeta se agregaron a la mezcla.
En los tiempos modernos, la música de Mariachi se ha combinado con elementos de diversos géneros, desde jazz hasta reggae. ¡Los cantantes a menudo agregan su mejor grito para expresar la emoción de la música vibrante! No importa la variación, el mariachi sigue siendo una fuerte representación de la historia y la cultura mexicanas.
El video de hoy Doodle presenta una serenata de Mariachi de la canción clásica, Cielito Lindo.
Más que solo música, Cielito Lindo (que se traduce aproximadamente del español como «el dulce encantador») es un símbolo del orgullo y la comunidad mexicanos.
La banda de mariachis se representa tocando los instrumentos básicos del género musical, incluido el guitarrón (un seis -bajo de cuerda), vihuela (una guitarra de cinco cuerdas), violín, trompeta y arpa, y vistiendo trajes tradicionales de charro.
¡Que viva el Mariachi!
Borradores iniciales del Doodle a continuación
Equipo de Mariachi Doodle
Artista | Kevin Laughlin
Gerente de programa | Colin Duffy
Banda de mariachis | Sol de America
Ingenieros | Daniel Dovali, Mark Ivey
Marketing | José Carlos Ramírez Gómez, Perla Campos, Sierra Menzies
Asuntos comerciales y asociaciones | Madeline Belliveau
Jefes de equipo de Doodle | Jessica Yu, Brian Kaas y Tom Tabanao
El mariachi es un género de la música de México.
Por extensión, se conoce también como mariachi a los músicos dedicados a este género —nombrados también como mariacheros— y a los conjuntos musicales en sus expresiones conocidas como mariachi tradicional y mariachi moderno. En noviembre de 2011 la Unesco inscribió a El Mariachi, música de cuerdas, canto y trompeta como integrante de la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
El mariachi también forma parte de la música regional mexicana.
El mariachi cuenta con dos manifestaciones reconocibles: el denominado tradicional, que conserva el atuendo típico campesino y la instrumentación con las cuales se desarrolló desde la época novohispana; y el moderno, basado en el primero de mayor medida en la variante regional de Cocula como influencia prototípica pero que se modificó sustancialmente a partir de la década de los treinta hasta convertirse en una manifestación propia.
A mediados del siglo XX alcanzó una difusión nacional en su país de origen gracias a su aceptación en el gusto popular mediante su incursión en la radio, la televisión, el cine y la industria discográfica, para convertirse con el paso de los años en popular en muchos países del mundo. La música y vestimenta del mariachi moderno son las más famosas en todo el mundo.
Su música se acostumbra en México en fiestas públicas tales como el día de las Madres o el de la Virgen de Guadalupe (12 de diciembre), reuniones familiares, fiestas o serenatas. Entre algunos de los autores o intérpretes de canciones para mariachi más importantes están: Lucha Reyes, Jorge Negrete, Antonio Aguilar, Pedro Infante, Cuco Sánchez, Javier Solís, Miguel Aceves Mejía, José Alfredo Jiménez, Lucha Villa, Juan Gabriel, Tomás Méndez, Rubén Fuentes, Gilberto Parra Paz, Vicente Fernández, Paquita la del Barrio, Rocío Durcal, Gerardo Reyes, Luis Miguel, Aida Cuevas y Manuel Esperón. La vestimenta tradicional del mariachi moderno es el traje de charro.
En la época contemporánea hay cerca de 30 mil músicos dedicados a este género en México, pero se encuentra ampliamente extendido en los Estados Unidos, y hay presencia de agrupaciones de mariachi en decenas de países del orbe.
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AMÉRICA LATINA
TIEMPO SERÁ DESPUÉS viernes 4 de Diciembre a las 20hs
TIEMPO SERÁ DESPUÉS viernes 4 de Diciembre a las 20hs
TIEMPO SERÁ DESPUÉS es una excelente propuesta de Bouleverse Producciones para disfrutar en familia.
Funciones 4 de Diciembre a las 20 hs. Las entradas se consiguen por Alternativa Teatral
TIEMPO SERÁ DESPUÉS: En estos tiempos de pandemia en los que organizar eventos culturales es complejo, el elenco y equipo de producción de la obra TIEMPO SERA DESPUES ha hecho este esfuerzo para ofrecer a la gente un espacio de entretenimiento y distracción, aunque sea online.
TIEMPO SERÁ DESPUÉS: Sinopsis
TIEMPO SERÁ DESPUÉS, ESTRENO viernes 13 de Noviembre a las 20hs:
Cinco amigos entrañables que se juntan un viernes por mes, se ven atrapados por los vericuetos e imposibilidades que esta pandemia les presenta, y a través del encuentro virtual pautado para el mismo día, a la misma hora, terminarán de darle sentido a la fuga que ya planificaron y serán testigos de la decadencia final, a la que cada uno se precipita, con la impotencia de poder brindarse ayuda mutuamente.
Lo que no saben es que la esposa de uno de ellos viene a complicarlo todo. ¿Conseguirán fugarse?
TIEMPO SERÁ DESPUÉS, Ficha Técnica:
Actores: Román Caracciolo, Rubén Dusserre, Alejandro Stordeaur, Eleonora Lotersztein, Luciana Procaccini y Laura Canteros
Autora: Eleonora Lotersztein
Letra de canción: Alejandro Stordeaur
Producción audiovisual: Boria Producciones
Música original: Juan Cuiñas
Dirección: Francisco Salazar
Producción general: Eleonora Lotersztein
TIEMPO SERÁ DESPUÉS, ESTRENO viernes 13 de Noviembre a las 20hs
TIEMPO SERÁ DESPUÉS, ESTRENO viernes 13 de Noviembre a las 20hs
TIEMPO SERÁ DESPUÉS, ESTRENO viernes 13 de Noviembre a las 20hs
TIEMPO SERÁ DESPUÉS, ESTRENO viernes 13 de Noviembre a las 20hs
TIEMPO SERÁ DESPUÉS, ESTRENO viernes 13 de Noviembre a las 20hs
TIEMPO SERÁ DESPUÉS, ESTRENO viernes 13 de Noviembre a las 20hs
TIEMPO SERÁ DESPUÉS, ESTRENO viernes 13 de Noviembre a las 20hs
Eleonora Lotersztein, Sobre la autora
Eleonora Lotersztein Nació en CABA. Es actriz, directora, dramaturga y productora teatral.
Eleonora Lotersztein estudió con Ricardo Lago, Silvia Kanter, Esteban Mellino, Favio Sancinetto, Ricky Pashkus, Mauricio Kartun, Elvira Onetto, Daniel Suarez Marzal y Walter Rosenzwit, entre otros.
Eleonora Lotersztein fue Ganadora del primer premio Concurso: “Escenas de prevención” otorgado por FEPREVA (Fundación para el Estudio, la Prevención y el Tratamiento de la Enfermedad Vascular Artereoesclerótica) por su obra: “Nadie está exento” (Junio del 2010).
Eleonora Lotersztein dictó clases de teatro en el Centro Cultural Sábato FCE-UBA (2008/2009).
Entre sus últimos trabajos, se destacan “La fotito” (Unipersonal), como autora y directora, “Se hace camino al viajar” que se estrenó en el Paseo La Plaza en el 2008, «Oid mortales, el grito callado» como autora y directora en 2011, “Mati y Cami buscando la felicidad perdida” como autora y directora en 2012/2013, “Mati y Cami en la fuga del sol” (2018) y “Mi psiliconado amor” como autora y directora en 2014/2015.
En “Marathon” de Ricardo Monti realizó la producción general (2017)
Sus últimos trabajos autorales son: «Moviendo redes». (obra sobre violencia de género) y “Saber madrar” (obra escrita en tiempos de pandemia)
Francisco Salazar, Director
Francisco Salazar nació en Mendoza, Argentina. Es actor, autor, director y productor teatral.
Estudió en la Universidad de Palermo (Producción de televisión y de espectáculos) Continúo sus estudios en “La Odisea” con Alfredo Staffolani. Cursó la carrera de interprete del teatro musical en “Proscenio”, asistió a talleres de “Premios Hugos”, actualmente se encuentra estudiando la tecnicatura superior de puesta en escena en la EMAD.
Trabajó en el área de producción con Rodrigo de la Serna y el Yotivenco, Bandana, Up la formula de la felicidad, Compañía Raza, entre otros.
Francisco Salazar, el año pasado realizó su primer espectáculo independiente dirigido, escrito y producido por él, “Reacción” en el Cultural Freire.
Tuvo la oportunidad de viajar a EEUU y asistir la producción y dirección del musical “CHICAGO” en la compañía de teatro musical “MTS”.
A principio de este año 2020 escribió y dirigió “HACKEADOS” un espectáculo de comedia infantil presentado en el teatro “EL VITRAL”.
Funciones los viernes 27 de Noviembre y 4 de Diciembre a las 20 hs. Las entradas se consiguen por Alternativa Teatral
Para más información seguinos en nuestro Instagram: @tiempo.sera.después
HOY Entrevista a Eleonora Lotersztein (Autora, actriz y productora) y a Francisco Salazar (Director) 19.30hs ARGENTINA.
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