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ARTE EN GENERAL

Lil Uzi Vert, una estrella del hip-hop más allá de los guardianes

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Lil Uzi Vert, una estrella del hip-hop más allá de los guardianes

Lil Uzi Vert, quizás la estrella del rap definitoria de los últimos años, es una cifra, un torbellino, un extraterrestre.

Un accidente de la historia. Una recombinación química de lo que suena, se ve y, lo que es más importante, se siente el éxito del hip-hop en una era en la que los antiguos guardianes han sido marginados. ¿Grandes éxitos? Uno o dos. ¿Radio? No tanto. ¿Espectáculo promocional de perros y ponis? Como si.

Para una era directa a Internet, es una presencia inmediata: un hablador duro y un soñador en las nubes, un excéntrico visual que despliega misterio a su favor. Es tan emocionante en las sombras como en el centro de atención. Pocos artistas de cualquier género inspiran más fervor, más devoción, más curiosidad, más alegría exuberante.

Han pasado tres años desde su último álbum, pero las escandalosas actuaciones en festivales, las ocasionales explosiones de actividad en las redes sociales y un mercado negro en línea de canciones filtradas refuerzan su fama: es un rapero mucho más exitoso que la suma total de sus éxitos.

El lanzamiento de su tan esperado segundo álbum de estudio, «Eternal Atake», seguido una semana después por la edición de lujo, subtitulada «LUV vs. the World 2», con un nuevo álbum de canciones, es un alivio: Finalmente, Un nuevo volcado de datos. «Eterno Atake» encabezó la lista de Billboard con la mayor cantidad de transmisiones para cualquier álbum desde 2018; Esta semana, con los números para la edición de lujo incluida, se mantiene fuerte en el número 1.

De los surrealistas del rap de los últimos años (Young Thug, Playboi Carti, Gunna, etc.), Uzi es quizás el más destacado, el más familiarizado con los estructuralistas que lo precedieron y el que aún guarda afecto por ellos. El «Ataque Eterno» a veces abrasador, a veces desorientador, resuelve estos intereses. Es parte de bravuconadas anticuadas, parte de ejercicio de estilo extravagante, toda emoción alborotada.

Como siempre, la voz rapeante de Uzi es un chirrido caprichoso. Su enfoque melódico toma prestado del pop-punk y el R&B, así como el estilo digitalmente decadente popularizado por Lil Wayne a fines de la década de 2000 (aunque en un par de lugares aquí, parece alejarse de la afectación, rapeando con un tono más convencional) . Y la producción en sí es anárquica: bandas sonoras de videojuegos y anime, un montón de bajos de bordes ásperos, el pop elegíaco ocasional.

Sus letras se basan en variaciones sobre un puñado de temas: las particularidades de sus escapadas sexuales, la facilidad de aliviar a otros hombres de sus novias, sus enemigos, cuán próximos son sus enemigos, la tensión de sus pantalones. (Es cierto, y aparece al menos dos veces: «Mis pantalones están tan apretados que no saben si son para ella o para él», «No puedo bailar porque mis pantalones son de Francia»).

Ocasionalmente, es sorprendente cómo habla sobre estas cosas. «Miro la luna en su cara / yo y la luna se relacionan» es tan psicodélico como cualquier reflexión de Jim Morrison. «Ahora, estadísticamente, no puedo ganar cada vez / pero ustedes saben que el puntaje es de 10 a 3» es una admisión sorprendentemente específica de la humanidad.

Su rap más estimulante se produce durante las primeras canciones de «Eternal Atake», un temblor de altavoz tras otro: «Lo Mein», luego «Silly Watch» y luego «Pop», una especie de narrativa asociativa libre de exceso con un esquema de rima casualmente romo. Este es Uzi rapeando en su momento más fuerte, usando el ritmo y la cadencia tanto como la melodía.

Pero ese tipo de orden no es una parte esencial de su arsenal: la típica canción de Uzi es una filigrana después de la siguiente, encaje no mezclilla. Él crea su propia realidad de espejo de funhouse.

Mientras que el «Eternal Atake» original es casi un asunto en solitario, la adición de lujo incluye una serie de colaboraciones, con los compañeros de clase de Melody, Chief Keef, Young Thug, Nav y otros. Las canciones aquí son una mezcla más variada, pero casi tan efectiva como las del álbum principal.

Para sus invitados, Uzi ofrece una visión del mundo para perderse: no cede ni un centímetro. Para los forasteros, es una breve visita a una tierra extraterrestre. Para Uzi, la Tierra nunca tuvo mucho significado.

ARTE EN GENERAL

EL GRITO: Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo

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EL GRITO Imagen que ha intrigado durante un siglo 2021

‘Pintado por un loco’: El graffiti de Scream puede revelar el estado de ánimo de Munch

Es una imagen que ha intrigado al mundo del arte durante más de un siglo y se ha convertido en sinónimo de angustia existencial

EL GRITO: Recientemente inspiró su propio emoji, pero ahora algunos graffiti han agregado una nueva capa a la historia de la pintura más icónica de Edvard Munch.

EL GRITO es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893.​ Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular.

Una diminuta inscripción a lápiz en la esquina superior izquierda de una de las cuatro versiones de la pintura, que dice: «Sólo puede haber sido pintada por un loco», ha sido objeto de debate sobre quién la escribió; originalmente se pensó que era por Munch, pero luego fue atribuido a un vándalo, pero un nuevo análisis realizado por expertos en el Museo Nacional de Noruega sugiere que, de hecho, está en manos del artista.

Mai Britt Guleng, especialista en Munch y curadora del museo, comenzó a investigar la inscripción, descubierta por primera vez en 1904, y después de consultar con sus colegas dedujo que era obra del maestro.

EL GRITO Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo

EL GRITO Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo

Guleng cree que el comentario revela el estado mental de Munch, quien se cree que hizo la marca en 1895 después de asistir a una reunión en la que un estudiante de medicina dijo que la pintura debe ser obra de alguien que sufría de trastornos mentales.

“Es una combinación de ser irónico, pero también mostrar su vulnerabilidad”, dijo Guleng. “En realidad se está tomando esto muy en serio y está herido porque hay antecedentes de enfermedades en su familia, y estaba muy ansioso, pero se mostró marcado por ello”.

Munch volvió al incidente de 1895 repetidamente en cartas, dijo Guleng, quien agregó que el artista estaba obsesionado con la enfermedad después de ver morir a su hermana cuando era niña por tuberculosis, y su madre sucumbió a la misma enfermedad.

Guleng cree que los antecedentes podrían haberlo llevado a hacer las marcas en la pintura para abordar las críticas a la obra y sus propios demonios internos.

La inscripción se ha ignorado en su mayoría en comparación con otros elementos de la pintura y se pensó que fue realizada por Munch hasta que un catálogo de 2008 del historiador de arte noruego Gerd Woll sugirió que el artista no era responsable de ella.

EMOJI EL GRITO Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo

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Guleng recibió la ayuda de un equipo que incluía al conservador Thierry Ford, el bibliotecario de investigación Laffe Jacobson y la editora Hilde Bøe, quienes utilizaron tecnología infrarroja para analizar la escritura a mano y compararla con las cartas de Munch.

La pintura se exhibirá en el nuevo edificio del Museo Nacional, que se inaugurará en Oslo en 2022, donde se ubicará junto a otras pinturas de Munch, como Madonna , The Dance of Life y Self-Portrait with Cigarette en una nueva sala dedicada al artista.

En 2019, el Museo Munch de Oslo se asoció con el Museo Británico de Londres para la exposición Edvard Munch: Love and Angst , que mostró 83 obras de arte en total.

Incluía una litografía en blanco y negro de El grito, y la curadora de la exposición, Giulia Bartrum, dijo en ese momento que Munch estaba “profunda, profundamente consciente de la inestabilidad mental, la enfermedad mental, un tema enorme en ese momento, y eso es lo que estaba tratando de retratar. Cualquier cosa que intente expresar el funcionamiento interno de la mente… tiene una gran resonancia hoy».

Guleng cree que las marcas también muestran que Munch siempre estuvo dispuesto a experimentar con su trabajo y, en particular, con las superficies de sus pinturas.

“Creo que nos dice mucho acerca de la actitud experimental para hacer obras de arte, porque podría haber dicho que no quería dañarlo, pero toda su vida quiso experimentar con la superficie”, dijo.

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ARTE EN GENERAL

Botticelli – El infierno de Dante en el arte

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Botticelli El infierno de Dante

Botticelli – El infierno de Dante en el arte

La obra de Botticelli sigue causando fascinación hasta hoy, pero el pintor también tenía un lado oscuro.

Botticelli pintó y dibujó el infierno tal y como lo había descrito el poeta Dante. La obra se consideró perdida durante siglos.

Ya durante su vida las obras del pintor renacentista Botticelli fueron muy apreciadas, especialmente por los Médicis, que fueron sus mecenas.
Sus pinturas son famosas y atraen a cientos de miles de aficionados a sus exposiciones.

Botticelli El infierno de Dante en el arte

Botticelli El infierno de Dante en el arteBotticelli – El infierno de Dante en el arte

Botticelli, conocido por sus pinturas como «El nacimiento de Venus» o «La Primavera», también tenía un lado oscuro.

Pintó y dibujó el Infierno como lo había descrito el poeta Dante, y le llevó más de una década terminarlo. Una de sus obras inspiró al escritor estadounidense Dan Brown a escribir su best seller mundial «Inferno», la «Mappa dell’ Inferno».

La obra estuvo perdida durante siglos, el dibujo original estuvo guardado en las cámaras climáticas del Vaticano durante cientos de años.

Para el reportaje » El infierno de Botticelli» se abrieron las bóvedas del Vaticano. Los autores cuentan la historia de esta obra maestra. El camino al paraíso lleva inevitablemente por más de nueve pasos a través del infierno y el purgatorio. Sólo aquellos que superen todas esas etapas y padezcan todas las torturas del infierno, entrarán en el paraíso… ¡quizás!

Botticelli dio vida a los nueve círculos del infierno descritos por Dante en un total de 102 dibujos detallados. La obra principal de estas ilustraciones es el «Embudo del Infierno», una especie de señalización a lo largo del infierno que muestra las distintas etapas. Una obra fascinante que hace estremecer al espectador por la crueldad que representa y, al mismo tiempo, despierta su curiosidad por los secretos que oculta. ¿Qué nos transmite hoy este lienzo lleno de secretos? Botticelli es considerado uno de los artistas más importantes del Renacimiento.

Una y otra vez rompió con las convenciones y aportó numerosas innovaciones a la pintura. Más de 400 años después de su muerte, sigue influyendo en la cultura popular actual: artistas como Lady Gaga y Dan Brown se inspiran en él.

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El Arte renace en tiempos de Pandemia, Marianela Averame Riera

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El Arte renace en tiempos de Pandemia Marianela Averame Riera

El Arte renace en tiempos de Pandemia, Marianela Averame Riera

El Arte renace en tiempos de Pandemia: Muchos jóvenes han decidido enfocarse en algo que tenían oculto, otros no. EL ARTE.

Tanto como la música, aprender a tocar un instrumento, la escritura, dejar escritos sentimientos que trascurren en un momento determinado, una vivencia o una vida se ve cada día más común entre todos desde que comenzó la era digital.

La facilidad de compartir arte de manera digital permite a muchos poder exponer sus trabajos, de esta manera, poder compartir sentimientos los cuales son canalizados por otros al sentirse identificados.

Mi nombre es Marianela Averame Riera y escribo.

Escribo desde que tengo razón, desde que el lenguaje se hizo parte de mí. Así que podría decir que lo hago desde siempre. Es la Literatura lo que me salva de la vida (y de mí).

Los poemas son la preferencia de Marianela, encontrar entre los versos una segunda leída, algo escondido, algo que busca pero que no logra encontrar.

Tal vez por eso empezó a escribir, porque le era imposible llegar a sus profundidades con el lenguaje racional y en unas pocas metáforas encontró un nuevo mundo.

Su abuela paterna le entregó en bandeja de plata ese elixir artístico

«Me ensenó a leer y a escribir. Su obsesión por Bécquer y sus setenta balcones me obligaron a sembrar una semilla (que me auto dio como fruto).»

Soy lo que escribí de lo que hicieron de mí, y no podría estar tan cerca de definirme. A mis veintidós años estoy más cerca de ser un poema que una persona.

Marianela Averame Riera

 

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Marianela Averame Riera comparte sus textos por las redes y su blog.

En su cuenta de Instagram sube poemas y en su blog cuentos.

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