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Bill Withers, Who Sang ‘Lean on Me’ y ‘Ain’ No Sunshine’, muere a los 81 años

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Bill Withers, Who Sang ‘Lean on Me’ y ‘Ain’ No Sunshine’, muere a los 81 años

Bill Withers, un antiguo mecánico de aviones de la Marina que, después de haberse enseñado a tocar la guitarra, escribió algunas de las canciones más memorables y a menudo cubiertas de la década de 1970, incluyendo «Lean on Me», «Ain’t No Sunshine» y «Use Yo”, murió el lunes en Los Ángeles. Tenía 81 años.

Su muerte, en un hospital, fue anunciada por su familia. Su hijo, Todd, dijo que el Sr. Withers había tenido problemas cardíacos.

El Sr. Withers, que tenía una voz de R&B evocadora y arenosa que podía encarnar la pérdida o la esperanza, tenía 30 años cuando lanzó su primer álbum, «Just as I Am«, en 1971. Incluía «Ain’t No Sunshine«. un lamento triste («No hay sol cuando se fue / Y siempre se fue demasiado tiempo / Cada vez que se va») que rompió el Top 10 de Billboard.

Siguieron otros éxitos, quizás ninguno mejor conocido que «Lean on Me», un himno de amistad y apoyo que alcanzó el número 1 en 1972 y ha sido reutilizado innumerables veces por una variedad de artistas.

También hubo «Use Me» (1972), «Lovely Day» (1977) y «Just the Two of Us» (1981), entre otros éxitos. Pero después del álbum de 1985 «Watching You Watching Me«, frustrado con el negocio de la música, Withers dejó de grabar e interpretar.

«No sabría un gráfico pop de un Pop-Tart» Le dijo a Rolling Stone en 2015, cuando fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll.

«Bill era un hombre místico», dijo por correo electrónico Leo Sacks, quien supervisó la reedición del catálogo del Sr. Withers para Sony Legacy Recordings, incluida una caja de 2012 que ganó un Grammy por mejor grabación histórica. “Como un oráculo griego. Pero dejó que las canciones hablaran por sí mismas. Él cantaba de manera tan conversacional y universal, como si estuviera sentado a tu lado. Sus canciones hicieron que cada palabra contara «.

William Harrison Withers Jr. nació el 4 de julio de 1938 en Slab Fork, Virginia Occidental, hijo de William y Mattie (Galloway) Withers. Su madre era una criada, y su padre trabajaba en las minas de carbón.

A los 17 años, ansioso por evitar una carrera en las minas de carbón, el Sr. Withers se unió a la Marina.

«Mi primer objetivo era que no quería ser cocinero o mayordomo», le dijo a Rolling Stone. «Así que fui a la escuela de mecánica de aviones».

Pasó nueve años en el servicio, algunos de ellos estacionados en Guam. Renunció a la Marina en 1965, mientras estaba estacionado en California, y finalmente consiguió un trabajo en una fábrica de piezas de aviones. Una visita a un club nocturno para ver a Lou Rawls actuar fue un catalizador para cambiar su vida.

«Estaba ganando $ 3 por hora, buscando mujeres amigables, pero nadie me encontró interesante», dijo. «Entonces Rawls entró, y todas estas mujeres están hablando con él».

Compró una guitarra barata en una casa de empeños, comenzó a aprender a tocarla y a escribir canciones, y finalmente grabó una demostración. Clarence Avant, un ejecutivo de música que acababa de fundar un sello independiente, Sussex, tomó nota y lo preparó con el tecladista Booker T. Jones, de Booker T. & the MG’s, para producir un álbum.

«Bill vino directamente de la fábrica y apareció con sus viejos brogans y su viejo coche con un cuaderno lleno de canciones», dijo Jones a Rolling Stone. “Cuando vio a todos en el estudio, me pidió hablar en privado y me dijo: ‘Booker, ¿quién va a cantar estas canciones?’. Dije: ‘Tú eres, Bill’. Esperaba que apareciera otro vocalista. . «

El Sr. Withers fue despedido de su trabajo en la fábrica unos meses antes de que apareciera «Just as I Am». Después del lanzamiento del álbum, recordó, recibió dos cartas el mismo día. Uno era de su lugar de trabajo y le pedía que volviera a trabajar. El otro era de «The Tonight Show«, donde apareció en noviembre de 1971.

«Ain’t No Sunshine» se convirtió en un éxito de ese álbum fue inesperado.

«» No hay sol «fue el lado B de» Harlem «», dijo a The Plain Dealer de Cleveland en 2015, refiriéndose a otra canción del álbum, «hasta que los DJ lo entregaron».

La canción, dijo, acababa de llegar a él un día.

«Estaba viendo la película» Los días del vino y las rosas «, miró por la ventana y se me pasó por la mente», dijo a The Plain Dealer. «Probablemente una chica me había dejado, pero la preservación del ego me ha enseñado a evitar verdades incómodas».

«Ain’t No Sunshine» ganó el Premio Grammy a la mejor canción de ritmo y blues. «Lean on Me» y «Just the Two of Us» (una colaboración con el saxofonista Grover Washington Jr., escrita con William Salter y Ralph MacDonald) ganaron el mismo premio.

Withers lanzó otros seis álbumes de estudio en la década de 1970, para Sussex y luego Columbia, y actuó en todo el país y más allá. Uno Una aparición memorable fue en el festival de música de Zaire en 1974 que precedió al «Rumble in the Jungle», la pelea de peso pesado entre George Foreman y Muhammad Ali.

BILL WITHERS LIVE, ZAIRE 1974
Ver este vídeo en YouTube.

Pero también jugó en clubes como Bottom Line en Manhattan.

«Señor. Las letras de Withers se encuentran entre las más reflexivas de toda la música pop «, escribió Robert Palmer en The New York Times, al revisar un programa de 1976 allí,» pero su trabajo también tiene su lado físico. Muchas de sus canciones hierven irresistiblemente, como si estuvieran cocinando a fuego lento ”.

El Sr. Withers se molestó con Columbia, chocando con ejecutivos, y después del lanzamiento de «Watching You Watching Me» en 1985, terminó con el negocio de la música. Años después le gustaba contar historias sobre no ser reconocido en público. Uno de esos incidentes ocurrió en un restaurante de Los Ángeles.

«Roscoe’s Chicken and Waffles en Pico«, dijo a NPR en «Morning Edition» en 2015, «y estas mujeres parecían haber venido de la iglesia o algo así, y estaban hablando de esta canción de Bill Withers». Así que me divertiría con ellos. Le dije: «Soy Bill Withers«, y esta señora dijo: «No eres Bill Withers». Tú también tienes la piel clara para ser Bill Withers «.

El breve matrimonio de Withers con la actriz Denise Nicholas en la década de 1970 terminó en divorcio. En 1976 se casó con Marcia Johnson. Ella y su hijo le sobreviven, junto con su hija, Kori, y una hermana, Florence Mather.

En 2015, antes de un concierto homenaje en su honor en el Carnegie Hall, el Sr. Withers fue entrevistado en un restaurante por un periodista. para los tiempos. La charla se centró en cómo, sin entrenamiento musical, había logrado crear una carrera musical relativamente tarde en la vida.

«Fue algo que decidí hacer», dijo. «Si decidiera construir una de estas fuentes», señaló una decoración en el patio del restaurante, «probablemente podría hacerlo».

Probablemente también podría haber reanudado su carrera en cualquier momento.

«Al final de la vida, nos molestaba por volver a grabar», dijo Sacks. “Pero creo que fue realmente ambivalente. Dijo que no creía que a nadie le interesara lo que un «viejo» tenía que decir. Y ese fue Bill a la perfección: astuto, astuto, modesto. Totalmente poco sincero.

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EL GRITO: Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo

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EL GRITO Imagen que ha intrigado durante un siglo 2021

‘Pintado por un loco’: El graffiti de Scream puede revelar el estado de ánimo de Munch

Es una imagen que ha intrigado al mundo del arte durante más de un siglo y se ha convertido en sinónimo de angustia existencial

EL GRITO: Recientemente inspiró su propio emoji, pero ahora algunos graffiti han agregado una nueva capa a la historia de la pintura más icónica de Edvard Munch.

EL GRITO es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893.​ Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular.

Una diminuta inscripción a lápiz en la esquina superior izquierda de una de las cuatro versiones de la pintura, que dice: «Sólo puede haber sido pintada por un loco», ha sido objeto de debate sobre quién la escribió; originalmente se pensó que era por Munch, pero luego fue atribuido a un vándalo, pero un nuevo análisis realizado por expertos en el Museo Nacional de Noruega sugiere que, de hecho, está en manos del artista.

Mai Britt Guleng, especialista en Munch y curadora del museo, comenzó a investigar la inscripción, descubierta por primera vez en 1904, y después de consultar con sus colegas dedujo que era obra del maestro.

EL GRITO Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo

EL GRITO Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo

Guleng cree que el comentario revela el estado mental de Munch, quien se cree que hizo la marca en 1895 después de asistir a una reunión en la que un estudiante de medicina dijo que la pintura debe ser obra de alguien que sufría de trastornos mentales.

“Es una combinación de ser irónico, pero también mostrar su vulnerabilidad”, dijo Guleng. “En realidad se está tomando esto muy en serio y está herido porque hay antecedentes de enfermedades en su familia, y estaba muy ansioso, pero se mostró marcado por ello”.

Munch volvió al incidente de 1895 repetidamente en cartas, dijo Guleng, quien agregó que el artista estaba obsesionado con la enfermedad después de ver morir a su hermana cuando era niña por tuberculosis, y su madre sucumbió a la misma enfermedad.

Guleng cree que los antecedentes podrían haberlo llevado a hacer las marcas en la pintura para abordar las críticas a la obra y sus propios demonios internos.

La inscripción se ha ignorado en su mayoría en comparación con otros elementos de la pintura y se pensó que fue realizada por Munch hasta que un catálogo de 2008 del historiador de arte noruego Gerd Woll sugirió que el artista no era responsable de ella.

EMOJI EL GRITO Imagen que ha intrigado al mundo durante un siglo

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Guleng recibió la ayuda de un equipo que incluía al conservador Thierry Ford, el bibliotecario de investigación Laffe Jacobson y la editora Hilde Bøe, quienes utilizaron tecnología infrarroja para analizar la escritura a mano y compararla con las cartas de Munch.

La pintura se exhibirá en el nuevo edificio del Museo Nacional, que se inaugurará en Oslo en 2022, donde se ubicará junto a otras pinturas de Munch, como Madonna , The Dance of Life y Self-Portrait with Cigarette en una nueva sala dedicada al artista.

En 2019, el Museo Munch de Oslo se asoció con el Museo Británico de Londres para la exposición Edvard Munch: Love and Angst , que mostró 83 obras de arte en total.

Incluía una litografía en blanco y negro de El grito, y la curadora de la exposición, Giulia Bartrum, dijo en ese momento que Munch estaba “profunda, profundamente consciente de la inestabilidad mental, la enfermedad mental, un tema enorme en ese momento, y eso es lo que estaba tratando de retratar. Cualquier cosa que intente expresar el funcionamiento interno de la mente… tiene una gran resonancia hoy».

Guleng cree que las marcas también muestran que Munch siempre estuvo dispuesto a experimentar con su trabajo y, en particular, con las superficies de sus pinturas.

“Creo que nos dice mucho acerca de la actitud experimental para hacer obras de arte, porque podría haber dicho que no quería dañarlo, pero toda su vida quiso experimentar con la superficie”, dijo.

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Botticelli – El infierno de Dante en el arte

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Botticelli El infierno de Dante

Botticelli – El infierno de Dante en el arte

La obra de Botticelli sigue causando fascinación hasta hoy, pero el pintor también tenía un lado oscuro.

Botticelli pintó y dibujó el infierno tal y como lo había descrito el poeta Dante. La obra se consideró perdida durante siglos.

Ya durante su vida las obras del pintor renacentista Botticelli fueron muy apreciadas, especialmente por los Médicis, que fueron sus mecenas.
Sus pinturas son famosas y atraen a cientos de miles de aficionados a sus exposiciones.

Botticelli El infierno de Dante en el arte

Botticelli El infierno de Dante en el arteBotticelli – El infierno de Dante en el arte

Botticelli, conocido por sus pinturas como «El nacimiento de Venus» o «La Primavera», también tenía un lado oscuro.

Pintó y dibujó el Infierno como lo había descrito el poeta Dante, y le llevó más de una década terminarlo. Una de sus obras inspiró al escritor estadounidense Dan Brown a escribir su best seller mundial «Inferno», la «Mappa dell’ Inferno».

La obra estuvo perdida durante siglos, el dibujo original estuvo guardado en las cámaras climáticas del Vaticano durante cientos de años.

Para el reportaje » El infierno de Botticelli» se abrieron las bóvedas del Vaticano. Los autores cuentan la historia de esta obra maestra. El camino al paraíso lleva inevitablemente por más de nueve pasos a través del infierno y el purgatorio. Sólo aquellos que superen todas esas etapas y padezcan todas las torturas del infierno, entrarán en el paraíso… ¡quizás!

Botticelli dio vida a los nueve círculos del infierno descritos por Dante en un total de 102 dibujos detallados. La obra principal de estas ilustraciones es el «Embudo del Infierno», una especie de señalización a lo largo del infierno que muestra las distintas etapas. Una obra fascinante que hace estremecer al espectador por la crueldad que representa y, al mismo tiempo, despierta su curiosidad por los secretos que oculta. ¿Qué nos transmite hoy este lienzo lleno de secretos? Botticelli es considerado uno de los artistas más importantes del Renacimiento.

Una y otra vez rompió con las convenciones y aportó numerosas innovaciones a la pintura. Más de 400 años después de su muerte, sigue influyendo en la cultura popular actual: artistas como Lady Gaga y Dan Brown se inspiran en él.

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El Arte renace en tiempos de Pandemia, Marianela Averame Riera

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El Arte renace en tiempos de Pandemia Marianela Averame Riera

El Arte renace en tiempos de Pandemia, Marianela Averame Riera

El Arte renace en tiempos de Pandemia: Muchos jóvenes han decidido enfocarse en algo que tenían oculto, otros no. EL ARTE.

Tanto como la música, aprender a tocar un instrumento, la escritura, dejar escritos sentimientos que trascurren en un momento determinado, una vivencia o una vida se ve cada día más común entre todos desde que comenzó la era digital.

La facilidad de compartir arte de manera digital permite a muchos poder exponer sus trabajos, de esta manera, poder compartir sentimientos los cuales son canalizados por otros al sentirse identificados.

Mi nombre es Marianela Averame Riera y escribo.

Escribo desde que tengo razón, desde que el lenguaje se hizo parte de mí. Así que podría decir que lo hago desde siempre. Es la Literatura lo que me salva de la vida (y de mí).

Los poemas son la preferencia de Marianela, encontrar entre los versos una segunda leída, algo escondido, algo que busca pero que no logra encontrar.

Tal vez por eso empezó a escribir, porque le era imposible llegar a sus profundidades con el lenguaje racional y en unas pocas metáforas encontró un nuevo mundo.

Su abuela paterna le entregó en bandeja de plata ese elixir artístico

«Me ensenó a leer y a escribir. Su obsesión por Bécquer y sus setenta balcones me obligaron a sembrar una semilla (que me auto dio como fruto).»

Soy lo que escribí de lo que hicieron de mí, y no podría estar tan cerca de definirme. A mis veintidós años estoy más cerca de ser un poema que una persona.

Marianela Averame Riera

 

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Una publicación compartida por Epifanía (@destiempo98)

Marianela Averame Riera comparte sus textos por las redes y su blog.

En su cuenta de Instagram sube poemas y en su blog cuentos.

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